Chapter 0020

第一次世界大戦前の時代は、美術界にとっての好景気でした。19世紀後半のフランスは、工業発展と政治革命によって引き起こされた激動の時代でした。新世紀は、古い方法にさようならし、変化や革新を歓迎する時代となり、しばしば近代性と呼ばれました。これらの条件は、どんなことでも可能だという感覚を生み出し、ヨーロッパ全土のあらゆる隅々に興奮をもたらしました。その気分は、新たな芸術的創造力と表現欲求の洪水を解放し、多くの新しい近代美術運動が誕生することに繋がりました。本書ではゴンペルツが30以上のものをリストアップしています。ダダ、ポストモダニズム、ミニマリズム、パフォーマンスアートなどはお馴染みかもしれませんが、コンストラクティビズム、スプレマティスム、青の騎士、抽象表現主義などはおそらく聞いたことがないでしょう。ここでは時間の都合上、すべての運動を紹介することはできません。各運動の特徴についてもっと詳しく知りたい方は、ぜひ原著の本を見て、多くのイラストをチェックしてください。

近代美術には多くの異なるアプローチがありましたが、そのほとんどは10年や20年くらいで収束しました。彼らはしばしば、議論や注目がピークに達した後に消えていきました。しかし、バウハウスのようなものもあり、今日まで影響力を持ち続けています。

バウハウスは1919年、ヴァイマル共和国で設立された美術学校です。バウハウスは、「美術アカデミーの理論カリキュラム」と「工芸学校の実践カリキュラム」を組み合わせ、「才能ある学生のための包括的なシステム」を提供していました。一方で、バウハウスは個々の特性を失わせる大量生産に反対し、他方では美術学生が象牙の塔から降りて現実世界の実用的なニーズに関与するべきだと主張していました。そのため、バウハウスは、熟練した教師が自分たちの芸術的な視野と技術を学生に伝授するような職人学習プログラムのように運営されていました。学校の最終目標は、エリートアーティストを育てることではなく、現代人の生活水準を向上させることができる多くの熟練した職人を育成することでした。良いデザインは人々の生活の質を向上させ、美しく機能的なオブジェクトが世界中で標準となります。

ドイツの建築家ウォルター・グロピウスはバウハウスを設立しました。グロピウスは他の美術学校で推進されていた自由な表現を嫌い、その態度がたんにアーティストの個性的な趣味を満たすだけだと感じていました。グロピウスは「less is more（少ないことが多い）」を信じていました。彼はオランダのデ・スティール（the style）や国際的なコンストラクティビズムなど、簡素な美学に影響を受けました。彼は装飾のないデザインを求め、最小限の効果で最大のインパクトを生み出すことを望んでいました。バウハウス・スタイルの影響を受けた多くの実用的なオブジェクトが、今日でも一般的に使われています。例えば、ワー

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現代アートを理解する | チャプター 4

さて、本の第三部であり最後の部分である、現代アートの理解についてお話しましょう。実際、私たち一般人だけでなく、現代アートを理解できない人はたくさんいます。かつてテート美術館のディレクターだったニコラス・セロータでさえも、アーティストのスタジオで初めて新しい作品を見たとき、「驚愕した」と自身を形容しています。「よく何を考えていいかわからない。非常に圧倒されることがある」と彼は言う。セロータのような芸術界の権威ですら現代アートを理解し難いのであれば、残りの私たちはどうすればいいのでしょうか？

一般大衆が現代アートを理解できないことは、20世紀初頭に始まりました。1917年、アート界の歴史に決定的なイベントの一つが起こりました。それはマルセル・デュシャンが代表作『泉』(Fountain)を発表したことです。これは絵画でもコラージュでもなく、既に存在するものから作られる美術作品、いわゆる「既製品」を使用したものです。その場合、紳士用の小便器でした。デュシャンは、小便器をランダムに選び、偽名「R.マット」(R. Mutt)で署名し、日付を付けました。彼は小便器を横にして彫刻作品にすることで、その機能を否定しました。彼はこれを展覧会に出品し、『泉』というタイトルを付けました。こうして現代アートのアイコンが誕生しました。それが皆さんに衝撃を与えたのは容易に想像できます。『泉』は現代アートの歴史において地震波を引き起こしました。当初はほとんど誰もその意義を把握することができませんでした。

初期のアート作品では、デュシャンはキュビズムのスタイルに従っていましたが、後の貢献は概念芸術の父としてでした。では、概念芸術とは何でしょうか？これは、作品の背後にあるアイデアが物理的な作品そのものよりも重要であると考える運動です。デュシャンにとって、アーティストの社会的役割は、ある意味で哲学者のそれと同じです。アーティストは細部をすべて埋める必要はありません。この役割はデザイナーや技術者が果たすことができます。アーティストの仕事は、哲学者と同様に、世界の複雑さから一歩引いて、観察し、熟考し、人々が世界を理解する手助けをすることであり、芸術の物理的な現れの背後にある核心的なアイデアを探求し、明らかにすることです。概念主義は実用性を主張しません。これらの作品の唯一の目的は、人々の考え方を変えることです。もしそれが絵でできるなら、絵画でやってください。彫刻でそれができるなら、彫刻を作ってください。もちろん、尿器が最も適切な表現手段である場合は、尿器を使ってください。

ポップアート、ダダイズム、パフォーマンスアートなどの多くのアート運動で概念主義の影響が広がっていることが理解できます。デュシャン以降のほとんどの芸術は、概念主義の要素に影響を受けていると言っても過言ではありません。例えば、作曲家ジョン・ケージの「4分33秒」は、音楽史上最も驚異的な作品のひとつです。1952年の初演では、ピアニストのデイヴィッド・チューダーは舞台に登場し、ピアノの前に座り、それ以上のアクションなしで動かないままでした。時が経過しました。観客は待っていました。チューダーはじっとしていました。4分33秒後、彼はざわめきの中で立ち上がり、舞台を後にしました。観客は驚愕し、混乱し、憤慨しました。ケージはこう説明しました。「この作品は沈黙についてのものではなく、聴くことについてのものでした。」それがケージの概念主義であり、彼の作曲の演奏に背後にある芸術的アイデアでした。

もう1つの例として、アンディ・ウォーホルの「キャンベルズ・スープ・キャンズ」が挙げられます。この作品は、32枚のキャンバスから構成され、ポップアートの古典的なアイコンとなっています。各キャンバスには、キャンに入ったキャンベルのスープの異なる味が描かれています。作品は、これら標準化された、効率化された、大量生産された製品でさえ、個人的な選択が求められるという考えを喚起します。それは通常、一般の人たちには認識されない消費社会の潜在的な側面です。よく見ると、些細な違いがあります。各キャンバスは同一ではありません。スープのラベルのデザインも少しずつ異なるのです。

デュシャンは、どの作品が芸術であり、どれがそうではないかを決めるのは芸術家であると考えました。しかし、この本でゴンペルツが指摘するように、この考えは両刃の剣です。良い面として、芸術に対して必ずしも歓迎的ではない世界で、創造的な自由を促し、継続的な芸術的革新を可能にします。ただし、悪い面として、芸術家が自分たちの小さな世界に閉じこもり、周囲の大きな世界の現実的な問題から孤立させることが可能になります。芸術家がどのような芸術作品を決めるのか、視聴者は芸術家の意図を理解しようと努力しなければなりません。もしそれができないのなら、それはあなたの問題です。

この態度が、芸術界のはるかに限定されたサークルに直接つながっていることは容易に想像できます。芸術家たちは閉ざされたスタジオのドアの後ろでお互いにコミュニケーションします。モダンアートを理解できない一般の人々にとってもそれで構いません。壁に印象派の絵画を飾りながら、ウォーホルのスープ缶、デュシャンの尿器、他の現代美術作品（漬物サメや片付けていないベッドなど）について学ぶ意志を示さなくても幸せです。

さて、あなたは現代アートをからかうことが楽しいと感じるかもしれませんが、アート市場では珍しい現象が起こっていることに気づくかもしれません。現代アートは一般の人々には響かないことが多いですが、アート市場は今まで以上に盛り上がっています。現代美術作品は、サザビーズなどのオークションハウスで何千万ドルもの価格で頻繁に売られています。これはなぜでしょうか？

ゴンパーツはこの現象について2つの説明があります。まず、世界中に美術館やアートギャラリーを建設するために莫大なお金が投じられており、展示作品の場所が大幅に増えました。しかし、素晴らしい作品は限られているので、その希少性から魅力的なものの価値は自然と高騰します。同時に、美術館やギャラリーの多様性が二流の作品にもさらに露出の機会を与えています。現代アートの主な購入者は、あなただけでなく、私たちのような個人ではなく、展示機関や企業のコレクションです。